Still, the body

Buongiorno, benvenuti ad Artissima 2026! Questo è il progetto dell’audioguida e state ascoltando la traccia n. 3, intitolata “Still, the body”, dedicata alla forza e alla fragilità del corpo come costrutto sociale al centro del dibattito contemporaneo. Barbara Kruger, pioniera dell'arte concettuale americana, lo ha colto perfettamente in una delle sue opere più famose del 1989: Your Body is a Battleground (Il tuo Corpo è un Campo di Battaglia). Il corpo umano non è solo un ricettacolo di emozioni; è un apparato politico, capace di riflettere le contraddizioni della società che lo circonda. Mentre scriviamo, il dibattito internazionale è incentrato su decine di migliaia di giovani provenienti da tutta Europa, i cui corpi occupano le piazze pubbliche di numerosi Paesi per manifestare. Dalla Francia all'Italia, le tensioni e gli scontri che si stanno verificando durante queste proteste sembrano definire una nuova estetica, quasi performativa. A questo proposito, basti pensare al clamore suscitato online da un giovane sostenitore del Presidente brasiliano Luiz Inácio Lula da Silva: ripreso durante la Marcia per la Democrazia a San Paolo, è diventato virale per i suoi muscoli in bella vista e il volto avvolto in un tessuto rosso. Il suo corpo - filtrato da social media - è diventato sia il simbolo di un'ideologia sia un oggetto del desiderio. I media digitali svolgono un ruolo fondamentale nel plasmare questo campo di battaglia. Nell'estate del 2026, abbiamo assistito a un ampio dibattito sul fenomeno, prevalentemente maschile, noto come "looksmaxxing", ovvero la ricerca ossessiva e pericolosa di un ideale di bellezza assoluta. Questa pratica può arrivare persino a comportare microfratture create intenzionalmente nelle ossa facciali con un piccolo martello, nel tentativo di rimodellare il viso conferendogli un aspetto più “deciso”. Questo dibattito è stato alimentato da reel e contenuti video su Instagram e TikTok, dando origine a un fenomeno che presenta le caratteristiche tipiche di una setta. Con la sua molteplicità di stili e approcci, l'arte rimane uno strumento privilegiato di riflessione, un modo per interrogare il mondo contemporaneo. E questa audioguida si intitola “Still, the body” perché la corporeità umana, con le sue continue metamorfosi, rimane un ambito che desideriamo ancora esplorare in profondità. Queste audioguide sono state sviluppate per Artissima dai mediatori di Arteco. Questa traccia è stata scritta e curata da Daniele Licata. Siamo pronti a partire! Mettete in pausa il lettore e dirigetevi da Clivio, nella sezione Monologue/Dialogue (Monologo/Dialogo), corridoio verde, stand 5, per iniziare la nostra visita. Premete play una volta arrivati. Vi aspetto!

Ci troviamo nella sezione Monologo/Dialogo, presso lo stand di Clivio, una galleria con sedi a Milano e Parma. Vi presentiamo l'opera di Elio Mariani. Nell'era contemporanea, la percezione del corpo è indissolubilmente legata al modo in cui la comunicazione digitale sta plasmando il concetto di corporeità, favorendo dinamiche di omogeneizzazione di natura algoritmica. Queste idee non sono estranee all'arte contemporanea: si pensi, ad esempio, al momento in cui, nel 1963, Andy Warhol dichiarò: "Il motivo per cui dipingo così è che voglio essere una macchina". Oppure, si pensi al movimento Mec-Art, richiamato alla mente ad Artissima dalla presenza di Elio Mariani, presentato da Clivio nella sezione Monologo/Dialogo. Nata in Francia nella seconda metà degli anni '60, la Mec-Art si distingueva per l'uso di immagini provenienti dai nuovi media — come il cinema e la televisione — come punto di partenza per le opere d'arte. Artisti come Alain Jacquet, Pierre Restany e Mimmo Rotella adottarono questa forma di espressione ibrida per rappresentare i cambiamenti sociali dell'epoca. Faceva parte del movimento anche Elio Mariani, artista italiano nato a Milano nel 1943, che ha sempre sostenuto una pratica artistica estremamente originale. Fiducioso nel potenziale del progresso, Mariani impiega la tecnica del trasferimento fotografico, un processo che consiste nel trasferire o fissare un'immagine (proveniente da un negativo, da una rivista o da un giornale) su un supporto diverso, come una tela trattata con emulsione o una lastra metallica. Attraverso questo approccio, l'artista non si limita a produrre semplicemente un'opera, ma articola una linea di pensiero ben definita. Dal momento che il trasferimento fotografico trasforma l'immagine originale e introduce un senso di distanza da essa, emerge un'ambiguità che suscita una riflessione su come la tecnologia alteri la realtà in cui viviamo. Come afferma lo stesso Mariani, "non sono io a scegliere le immagini; sono loro a scegliere me", sottolineando un fascino quasi pericoloso esercitato dal progresso. Concentrandosi sui processi che danno origine alle immagini nell'arte, Mariani costruisce un ponte verso il discorso contemporaneo: un panorama in cui i corpi vengono prodotti, riprodotti e alterati. Abbiamo completato la nostra prima tappa. Mettete in pausa il lettore e dirigetevi da IMPORT EXPORT e eastcontemporary, nella sezione Back to the Future (Ritorno al Futuro), corridoio lilla, stand 9. Premete play una volta arrivati. Vi aspetto!

Ci troviamo nella sezione Ritorno al Futuro, presso lo stand di IMPORT EXPORT, una galleria con sedi a Varsavia e Londra, e di eastcontemporary, con sede a Milano. Vi presentiamo l'opera di Cathy Josefowitz. Nata a New York nel 1956 e scomparsa a Ginevra nel 2014, Cathy Josefowitz ha creato nel corso degli anni una produzione artistica estremamente variegata, guidata dall’ambizione di superare i confini tra mezzi espressivi e generi. Spaziando tra disegno, pittura, danza e teatro, l'artista ha lavorato incessantemente nel tentativo di rappresentare il corpo come veicolo espressivo dell'esperienza individuale. Il corpo, in quest'ottica, non è mai una forma fissa, ma piuttosto un ricettacolo di desiderio, vulnerabilità e resistenza. Alla fine degli anni '70, mentre studiava danza al Dartington College of Arts nel Devon, in Inghilterra, l'artista entrò in contatto con l'attivismo politico, iniziando a partecipare a marce, manifestazioni e conferenze a sostegno dei movimenti di liberazione femminista e queer. Da quel momento in poi, la dimensione politica entra sistematicamente a far parte del suo lavoro, assumendo la forma di una riflessione su come la figura femminile, in particolare, possa emergere e rivendicare il proprio posto nella società. Per tutta la vita, Cathy Josefowitz ha cercato di collegare la sua pittura con l'esperienza sensoriale del vivere e del viaggiare. Ne sono testimonianza le numerose opere che ha realizzato su tovaglie, tovaglioli, scontrini e cartoline, che riflettono un corpo incapace di rimanere immobile e che sentiva un bisogno impellente di esprimersi nei momenti più inaspettati della vita quotidiana. Nel corso degli anni, la sua pratica è diventata sempre più sperimentale; a un certo punto, ad esempio, ha steso vaste tele sul pavimento e vi ha danzato sopra, cercando di catturare con la pittura anche i gesti più effimeri. Questa sperimentazione non cessò nemmeno dopo la diagnosi di cancro al seno nel 2007: tre anni dopo, iniziò una serie di dipinti ispirati all’antico testo indiano del Kamasutra, raffiguranti coppie che sfidano i limiti della gravità su ampi sfondi monocromatici. Abbiamo completato la nostra seconda tappa. Mettete in pausa il lettore e dirigetevi da Isabelle, nella sezione Disegni, corridoio centrale, stand 7. Premete play una volta arrivati. Vi aspetto!

Ci troviamo nella sezione Disegni, presso lo stand di Isabelle, una galleria con sede a Dubai. Vi presentiamo l'opera di Tirdad Hashemi. Nata a Teheran nel 1991, Tirdad Hashemi ha lasciato l'Iran nel 2017, abbracciando uno stile di vita in continuo movimento che l’ha portata dalla sua città natale a luoghi come Istanbul, Parigi e Berlino. Questa propensione al nomadismo ha plasmato profondamente la sua pratica artistica, incentrata sui disegni di piccolo formato: una scelta che le consente di continuare a creare indipendentemente dal luogo in cui si trova, senza essere ostacolata da alcun vincolo materiale. Le opere di Hashemi possiedono la qualità simbolica di un sogno. Realizzate con materiali come i pastelli a olio, prendono forma attraverso pennellate sinuose. Il corpo è il soggetto prediletto, capace di plasmare dimensioni sospese in cui il ricordo di eventi politici si intreccia con i traumi personali. L’immaginario — apparentemente delicato come una filastrocca — è, in realtà, un tentativo di evocare un Paese sconvolto, un luogo in cui le voci delle donne anelano a una società più inclusiva. Hashemi ci mostra che, nell'infanzia, il disegno è un linguaggio che tutti parlavamo — senza eccezioni — prima che le dinamiche della vita sociale iniziassero a limitare la nostra capacità di espressione nell'età adulta. A Berlino, Hashemi ha creato la propria famiglia queer, ed è proprio lì che ha iniziato a collaborare con la sua compagna, Soufia Erfanian — anch’essa esiliata dall’Iran. Insieme, Hashemi ed Erfanian realizzano disegni che cercano di esprimere un'intimità assoluta. Più di recente, hanno iniziato a lavorare su una serie incentrata sulla rappresentazione di fiori che, proprio come i corpi umani, si riuniscono e si stringono l’uno all’altro all’interno di campi selvaggi. Queste immagini traggono ispirazione da momenti reali di cura, simboleggiando i modi in cui si può costruire una "famiglia scelta". Ciò è ulteriormente evidenziato dai titoli delle singole opere: lunghi e poetici, nascono da una pratica quotidiana di scrittura epistolare e rivelano momenti inaspettati di riflessione. Abbiamo completato la nostra terza tappa. Mettete in pausa il lettore e dirigetevi da Vanguard, nella sezione Present Future (Presente Futuro), corridoio centrale, stand 8. Premete play una volta arrivati. Vi aspetto!

Ci troviamo nella sezione Present Future, presso lo stand di Vanguard, una galleria che si trova a Shangai. Vi presentiamo l'opera di Che-Yu Hsu. Nato a Taipei, Taiwan, Che-Yu Hsu lavora principalmente con video e tecnologie come la scansione 3D e la realtà virtuale. Attraverso un'estetica altamente distintiva, rivisita momenti storici e ricordi sia privati che collettivi. Lo stand di Vanguard alla fiera rappresenta un'eccellente sintesi dell'approccio dell'artista, con una selezione di video realizzati nell'ultimo anno in collaborazione con un team di esperti forensi specializzati nella scansione 3D dei corpi sulle scene del crimine. In Catastrophism (Catastrofismo), l'artista prende in prestito un termine dalla biologia evolutiva, utilizzato per descrivere i momenti in cui l'evoluzione viene rimodellata dai disastri, per sostenere che, in una società dominata da cataclismi e disastri ecologici, il concetto di catastrofe non può più essere separato da quello di progresso, in particolare del progresso tecnologico. Il video mostra un gruppo di bambini che contorcono il proprio corpo e strisciano lentamente, circondando un altro bambino. Stringono tra le mani ciottoli e sassi, lanciandoli come per seppellirlo: nel frattempo, il bambino sepolto racconta una storia sull'evoluzione dell'Homo Erectus, tratta dal libro di Thomas Moynihan Spinal Catastrophism: A Secret History (Catastrofismo Spinale: Una Storia Segreta). Realizzata nel 2025 con la stessa tecnica è anche l’opera Gray Room (Stanza Grigia), ispirata al disturbo di cui soffre l’artista. Negli ultimi anni Che-Yu Hsu è stato afflitto da insoliti mal di testa e, dopo alcune visite mediche, gli è stata diagnosticata la diplopia, un disturbo visivo che porta a vedere due immagini di un singolo oggetto invece di una sola. Partendo dal presupposto che oggigiorno le neuroscienze consentono di mappare (quasi) tutte le emozioni e le percezioni, l'artista si concentra sul concetto di "spirito", proponendo una riflessione sulla morte e sulla materialità. Muovendosi lungo una linea sottile tra memoria storica e passato personale, Che-Yu Hsu rimodella la realtà. Il colore grigio che domina i suoi video è "piatto" solo in apparenza; in realtà, nasconde strati di significato che i corpi presenti nelle immagini rivelano gradualmente. Abbiamo completato la nostra quarta tappa. Mettete in pausa il lettore e dirigetevi da Prometeo, nella Main Section, corridoio arancione, stand 2. Premete play una volta arrivati. Vi aspetto!

Ci troviamo nella Main Section, presso lo stand di Prometeo, una galleria con sedi a Milano e Lucca. Vi presentiamo l'opera di Regina José Galindo. Regina José Galindo è nata nel 1974 in Guatemala, un Paese devastato da anni di guerra civile. Nel corso degli anni, l'artista ha realizzato performance che nascono dall'esigenza di dare voce al suo profondo disagio nei confronti di un regime dittatoriale ostile che, attraverso la censura, limita la libertà di espressione. Mentre Marina Abramović utilizza la performance come strumento per mettere alla prova la resistenza umana, per Galindo il corpo funge da veicolo di espiazione e dolore, canalizzando le ferite di un intero popolo. In El peso de la sangre (Il peso del sangue), del 2004, l'artista è seduta nella Plaza Central di Città del Guatemala e si lascia versare addosso un litro di sangue umano, in un gesto che ricorda una tortura cinese. Ad Artissima, Prometeo presenta Homage to Latin America / Veiling (Omaggio all'America Latina / Velo), una stampa fotografica che documenta una performance del 2026. In essa, l’artista giace distesa — richiamando alla mente una scultura italiana — con il corpo coperto da un lenzuolo imbevuto del sangue di uomini e donne sudamericani. Nel 1971, in occasione della Biennale di San Paolo in Brasile, gli artisti italiani Scanavino e Cavaliere esposero un'opera che includeva i nomi di 162 uomini uccisi dalla dittatura militare sudamericana imposta dagli Stati Uniti. Quest'opera è stata censurata. L'omaggio di Galindo commemora la partecipazione e la morte di centinaia di donne coinvolte nei movimenti rivoluzionari dell'epoca, rievocando i sanguinosi interventi militari statunitensi che ebbero luogo in America Centrale e Meridionale negli anni '50 e '60. Nel 2005, Regina José Galindo ha ricevuto il Leone d'Oro alla Biennale di Venezia come Miglior Artista under 35. Abbiamo completato la nostra quinta e ultima tappa: speriamo che vi sia piaciuta! Se desiderate un'altra prospettiva sulla fiera, tornate al Punto Informazioni o alla pagina di selezione delle audioguide e scegliete un altro podcast. Godetevi Artissima e arrivederci all'anno prossimo!